PORSCHE Ferdinad GT3 RS | by Hannes Langeder

>> Ferdinand der Schöne

Findige Österreicher haben einen Porsche GT3 RS konsequent auf Leichtbau getrimmt. Der Rennbolide, der mit ursprünglich 450 PS den Sprint von 0 auf 100 km/h in atemberaubenden 4,0 Sekunden schafft und bis zu 310 km/h schnell ist, wurde total abgespeckt. ULC (Ultra light construction) nennen die Ferdinand-Konstrukteure die spezielle Bauweise. Ein radikaler Ansatz, bei dem nicht benötigte Bauteile schlicht weggelassen werden. Resultat: Ein revolutionäres Fahrzeuggewicht von lediglich 99,637 Kilo!

„Das Problem mit dem Fahrrad ist ja, dass man immer gegen die Autofahrer ankämpfen muss. Fahrräder und Autos sind fast immer Gegner. Der Ferdinand wird im ersten Moment als Kollege wahrgenommen und erst mit der Zeit kommt man drauf, dass er doch etwas ganz anderes ist.“ Trotzdem ist das Feedback durch die Bank nur positiv. „Auch Autofahrer zücken das Handy zum Fotografieren – man kommt sich gleich sehr prominent vor.“  Hannes Langeder ist Künstler, der in der Vergangenheit verschiedene Radprojekte umsetzte.

Er ist der langsamste, aber auch leichteste Porsche und sorgt für mehr Aufsehen als jeder andere Porsche – vielleicht weil er gar kein Porsche ist, der „Ferdinand GT3 RS“. „Das RS steht für Radsport“, erklärt Hannes Langeder, der Erbauer des Fahrrad-Porsches. Den Unterbau hat er von einem Spezialisten für Liegeräder zugekauft: „Vorne ist das Rad gefedert, damit nicht ein Rad in der Luft hängt, wenn man auf einer unebenen Straße fährt. Der Ferdinand hat 30 Gänge – also mehr als jeder herkömmliche Porsche – und Hinterradantrieb.“ Weil der Fahrer auf der rechten Seite das rechte Hinterrad antreibt und jener, der links sitzt, das linke, konnte auf eine komplizierte Hinterachse mit Differentialgetriebe verzichtet werden. „Bergauf wird die Übersetzung irgendwann zum Problem, weil es keine Zahnkranzl mehr gibt, mit denen wir den Ferdinand hätten kürzer übersetzen können.“

Der Oberbau besteht aus Elektroinstallationsmaterial. „Mit einem Heißluftföhn habe ich Rohre und Kabelkanäle so hingebogen, wie ich sie brauche und sie dann mit der Heißklebepistole und Paketband zusammengeklebt.“ Ursprünglich wollte Langeder den Ferdinand, wie seine Kunstobjekt-Fahrräder zuvor, mit Luftpolsterfolie aufbauen, kam dann aber wieder davon ab.

Warum es unbedingt ein Porsche sein musste, erklärt Langeder so: „Der Porsche ist für mich so ein archetypisches Fahrzeug: Den gibt es schon so lange in der Form, und dann ist da die Nähe zum Käfer. Und bei der Form eines Porsche kann auch beim Nachbauen nicht viel schiefgehen. Ich hab ein schnelles Fahrzeug genommen, weil ich wusste, dass es sehr langsam sein wird. Es ist ja noch langsamer als Fahrräder. Alles, was sich auf der Straße bewegt, ist schneller als der Ferdinand. Nicht nur die goldene Hülle drückt Luxus aus, sondern auch das langsam Sein. Auch die Leute, die mitfahren, beeindruckt die Langsamkeit. Am Anfang würde man gerne schnell fahren, aber mit der Zeit, wenn es anstrengend wird, merkt man, dass es die Langsamkeit erst ausmacht.“

Sixpack | Solo für Tuba

Im Rahmen des BI | contemporary art festivals in der Werkbank in Lana fand am Montag  der Kulturtalk zum Thema „Tourismuskultur vs. Kulturtourismus“ statt.  Akustische Höhepunkte waren die über den Abend gestreuten Stücke vorgetragen vom Tuba-Solisten Michael Pircher. Unter anderem performte Pircher das Stück  „Discotheque“ aus John Meador’s „Six-Pack“, auf Wienerisch: „s’ Sechsertragl“, also das Sechser-Gebinde Bier -  Solo für Tuba.

Michael Pircher, gebürtiger Lanaer, schloss seine Musikausbildung 2005 an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien mit Auszeichnung ab und kann bereits auf eine beachtliche Orchestererfahrung in Österreich, Deutschland und Italien verweisen; so spielte er u.a. bei den Wiener Philharmonikern und den Berliner Philharmonikern. Seit März 2004 hat er ein fixes Engagement beim „Tonkünstlerorchester Niederösterreich“.

Six-Pack for Solo Tuba was written at the request of  Tim Buzbee [in diesen Videos zu sehen], whom currently holds the position of Principal Tuba with the Iceland Symphony Orchestra. During our initial brainstorming discussions, Tim said he had always had an idea for a theatrical piece with six different movements where the performer would drink a beer between each movement. Aside from exploiting his monstrous low register and beautiful lyrical playing, his only other requirement was that it be somewhat flashy, if not virtuosic, and that it could be used to close out a recital on a positive and powerful note.

With these guidelines, it was decided to structure the piece as an outline of the potential actions, moods or emotions one might experience during each stage of drinking a six-pack of beer. Each movement then took on the responsibility of not only conveying each particular stage in character, but also of taking the listener on an intense and somewhat specific emotional journey throughout the course of the work.

The concept of such a work provides some interesting challenges, the first of which is finding a suitable performance venue, since few, if any universities or churches would allow the consumption of alcohol on their premises. The next obvious challenge is being able to play the piece while consuming a total of six beers in about as many minutes. Ambitious players under the age of 21 might discover a setback, as well. As a result, the theatrical aspect of the work has been deemed „optional“ should the location permit and the performer be willing and able to perform it as originally intended.

die WerkBank hat ein neues Zuhause. Das Schloss Klebenstein, die auf der  Sonnenseite Bozens gelegene, von Weinbergen umgebene mittelalterliche Burg ist unsere neue Homebase.

… Anlass genug eine Sause zu starten. Unsere Leidenschaft für Kunst, Kultur und Gestaltung wollen wir auch bei unserer Eröffnung feiern und mit unseren Freunden und Partnern teilen: Die WerkBank , als Part eines interdisziplinären Labors für Gestaltung, hat in Zusammenarbeit mit dem Designers Club Südtirol namhafte Künstler und Kreative zur (diesmal noch inoffiziellen) guerilla Pecha Kucha Night in Bozen eingeladen: Künstler Matthias Schönweger ( Buncor), franzmagazine, das Büro P L A S M A Studio aus London, das international gefeierte Streetart Magazin MODART um nur einige Highlights zu nennen, werden mit ihren Ideen und Visionen für einen sicherlich inspirierenden Abend sorgen.

Rauminstallation | Zeche Zollverein Essen

„Soap Opera“ | Ruhr 2010

Team: Manfred Eccli, Kaltern | Francesco Apuzzo
Klanginstallation von Bruno Franceschini

Draußen schwebt ein leuchtender Nebel aus Seifenblasen zwischen der alten Waschkaue, dem Förderturm und dem Birkenwäldchen. Die Besucher tauchen in den Schaum und gelangen in innere Schaumräume, aus denen heraus Blicke auf den Förderturm und die umliegenden Hallen inszeniert werden. Der dichte Schaum leuchtet von innen heraus. Er besteht aus transparenten, teilweise mit Helium und teilweise mit Luft gefüllten übergroßen Latexballons.

Ein Klangteppich im Inneren macht den Schaum auf einer weiteren Sinnesebene erfahrbar und gibt Geräusche der Vergangenheit als ferne Reminiszenz wieder. Die Präzision und Härte der Architektur und ihrer Materialien werden für einige Stunden mit der weichen, unbegreifbaren Form des ephemeren Schaums konfrontiert.

Das Raumlabor Berlin baut temporäre Architekturen für eine sich verändernde Stadt. Bei der  Essener Zeche Zollverein verdeutlichen das die Architekten Francesco Apuzzo und Manfred Eccli mit der kreativen Rauminstallation „Soap Opera“. Mit der Musik von Bruno Franceschini machen sie daraus eine audiovisuelle Installation.

Die Essener Zeche Zollverein galt einst als unzugänglich für den Normalbürger. Assoziiert wurde sie mit Kohleflözen, Fördertürmen und Staublungen. Doch der kulturelle Wandel ergriff auch Zollverein. Mittlerweile wurde die ehemalige Stätte der Maloche zum Weltkulturerbe geadelt.
Wo die Bergleute früher aus den Schächten in die Waschkaue hinauffuhren, ist heute die audiovisuelle Installation „Soap Opera“ der Berliner Architekten von „Raumlabor“ zu bestaunen: Die Musik stülpt sich wie ein assoziativer Klangteppich über einen leuchtenden Nebel aus Seifenblasen, der an den Wänden der Waschkaue und unter den Bandbrücken der Zeche Zollverein entlang wabert.
In der Waschkaue ist heute das Tanzhaus PACT Zollverein beheimatet. „Soap Opera“ wird hier während der Eröffnungsveranstaltung von RUHR.2010 am Wochenende uraufgeführt, erzählt der südtiroler Architekt Manfred Eccli.
„Nachdem die Zeche geschlossen worden ist und die Umstrukturierung stattfand, das war eine Art Reinigungsprozess für den Ort, jetzt noch verstärkt durch die Kulturhauptstadt. Und da haben wir uns gedacht, wir nehmen das auf. In Bezug zur Waschkaue haben wir gesagt: Wir machen Schaum.’“

>> vergleiche dazu: PS1 | MOMA | NYC Wettbewerbsbeitrag BIG

Aber wie lassen sich Schaumgebilde künstlerisch herstellen? Wie gewinnt man eine Substanz, die leicht und beweglich wie Seifenblasen ist? Die frostige Witterung im Ruhrgebiet soll dem Schaummaterial ja nichts anhaben dürfen. Manfred Eccli und sein Partner Francesco Apuzzo von „Raumlabor“ haben sich gefragt:
„Wie wollen wir jetzt den Schaum darstellen? Und so sind wir auf Luftballone gekommen. Wir sind jetzt soweit, dass wir 5000 Luftballone haben, die von 500 Heliumballons getragen werden. Das Prinzip ist, dass man 500 Säulen schafft, wobei jede Säule von einem Heliumballon getragen wird und ein Jutesack, der mit Sand gefüllt ist, der trägt diese Säule.“

Die Schaumstruktur kriecht aus dem Eingang des PACT-Tanzhauses hinaus, schlängelt sich eine Gasse entlang, die mächtige Mauerwerke einfassen, und endet auf einem offenen Platz, den Bandbrücken überdecken. Eccli stellt klar, dass er sich die „Soap Opera“ keineswegs als eine amorphe Masse vorstellt:
„Es gibt eine Grundhöhe, das sind drei bis vier Meter. Dann werden wir kleinere Ballons dazugeben, die geben eine Krümmung dem Ganzen, dass man mehr zu dieser Form von Schaum hinkommt. Es wird auch Räume darin geben, es wird auch Wege dadurch geben, sodass man Bereiche hat, die dichter sind, und andere, die breiter gefächert sind, wo man auch reingehen kann und unterschiedliche Blicke dann auch hat.“

Wer das Gebilde von Weitem betrachtet, kann wirklich auf die Idee kommen, aus der einstigen Waschkaue seien Unmengen Seifenschaum entwichen. Die feste Schneedecke tut ihr übriges, um diesen Eindruck hervorzurufen. Manfred Eccli scheint aber noch immer nicht ganz zufrieden zu sein. Er spielt mit dem Gedanken, den Effekt während der anstehenden Eröffnungsfeier zusätzlich mit Bodennebel zu verstärken.

>> das Projekt „Soap Opera“  | pdf

>> Kulturhauptstadt | Ruhr2010

Coffeetables by Davide de Paoli

Function follows Form

Davide de Paoli | Bildhauer und Designer

Der Bildhauer und Designer Davide de Paoli wurde 1969 in Brixen geboren. Er studierte am Istituto d’Arte in Trient, wo er 1989 als Maestro d’Arte abschloss. De Paoli arbeitet in Bozen und S.Maria di Leuca, Lecce. Neben zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen war er unter anderem an der MANIFESTA 7 mit seinen Skulpturen vertreten.

Bildhauer und Designer Davide de Paoli

„Wood moulds sculptural quality together with functionality. Design as an intellectual, rational experience, as well as the application to an anatomical (being) which is autonomously created by the practice of a subtraction of ligneous „material“. A research on forms first, then utility:

Lindenholz roh | die Geburt einer Skulptur

…because senses are the beginning of each creation of mine and sensuality is their first satisfaction.“

Sinn und Sinnlichkeit – de Paolis Skulpturen verschmelzen präzise Linien mit weichen, fast  fließenden Anatomien. Es entstehen sinnlich feminile Landschaften die sich zu Objekten vereinen.

Symetrie und Haptik – Strenge, mutige Gesten stehen am Anfang seiner eleganten auf Hochglanz polierten Kreationen. Objekte wie selbstbewusste in sich ruhende Kreaturen einer fremden Formenwelt.

Reduziert und rein, fast entmaterialisiert, jedoch voll praller Sinnlichkeit lassen sich de Paolis Designobjekte nur im Kontext eines umgebenden Raumes in deren Dimension einordnen.

Entfernt fühlt man sich an die überdimensionalen Arbeiten von Yoshitomo Nara erinnert; monochrome  Skulpturen die bewußt Masstäbe brechen um Dimensionen zu relativieren.

Der Südtiroler Künstlerbund veranstaltet in diesem Jahr zum ersten Mal eine Kunstauktion, bei der SKB Mitglieder ausgewählte Arbeiten einem breiten Publikum vorstellen und zum Kauf anbieten. Dreiundsechzig Künstlerinnen und Künstler bieten insgesamt über 150 Werke an, es sind dies Arbeiten aus den unterschiedlichsten Bereichen der Kunst und reichen von Plastiken über Objekte, Ölmalerei, Zeichnungen oder Druckgrafiken bis hin zu Performances. Das zur Auswahl stehende Spektrum reflektiert die Bandbreite der aktuellen Kunstszene Südtirols. Interessierte sind herzlich eingeladen, sich auf das spannende Terrain der Versteigerungen zu begeben, um ausgewählte Südtiroler Gegenwartskunst kennen zu lernen und zu fairen Preisen zu erwerben.

Am 17. Dezember wird Katrin Stoll, Inhaberin und Geschäftsleiterin des renommierten Auktionshauses Neumeister bei den Pinakotheken in München die Versteigerung in der Galerie Prisma in Bozen leiten. Als besondere Zugabe bieten wir durch die Sonderaktion „Jung und Neu“ Jungsammlern und Neueinsteigern auf dem Gebiet der Kunst die Chance, um den einmaligen Ausrufpreis von 300 Euro Arbeiten bekannter Künstlerinnen und Künstler zu ersteigern.

Zur Aktion erscheint ein Katalog, in dem alle Werke samt Bildbeschreibungen und Ausrufpreisen angeführt sind. Die Vorbesichtigung findet am 14.– 15.12.2009 jeweils von 10- 12.30 & 16.00 – 19.00 Uhr statt. Kunstfreunde und Sammler sollten diese einmalige Gelegenheit nutzen und am 17. Dezember um 18 Uhr in der Galerie Prisma mitbieten oder bereits jetzt Online unter www.neumeister.com oder per Telefon +39 0471 977037.

Josh Coot | Fashion Show 2008

Das Spannungsfeld zwischen bildender Kunst, Architektur und Design war bereits öfters Thema auf der WerkBank – so auch die Frage „Absorbiert das Design die Kunst? oder umgekehrt?“ Im Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit von Kunst war es eigentlich nur eine Frage der Zeit bis das Re-Produzierte Inspirationsquelle, ja Inhalt der Kunst wurde – und in weiterer Folge sich soger Umkehre. Die Gestaltung an sich steht im direkten Zusammenhang mit dem kollektiven ästhetischen Empfinden der Zeit. Waren es die Künstler die als Seismographen der Gesellschaft ihrer Zeit voraus waren, so sind heute Subkulturen die Sensoren und auch Motoren des Zeitgeistes. Künstler sind nach wie vor Teil jedoch nicht mehr Chefideologen der diversen Subkulturen. Gleich neben Grafikdesignern, Deejays, Friseuren und Immobilienmaklern, agieren Künstler immer weniger als Visionäre, sondern vielmehr als Interpreten eines gemeinsam erarbeiteten und erlebten Zeitgeistes.

adidas | Micropacer

Die Gewinner der Goldenen Löwen bei der 53. Biennale in Venedig haben eines gemeinsam: ein Faible für Neonfarben. Mit dem Deutschen Tobias Rehberger und der von ihm gestalteten Cafeteria würdigte die Jury eine komplette Rauminstallation.

Tobias Rehberger | Cafeteria | La Biennale di Venezia

Rehberger, als bester Künstler mit dem Goldenen Löwen geehrt, hat eine Cafeteria in den Giardini zur erlebbaren Kunst erhoben: Seine Würfelhocker, langen Sitzbänke und ebensolche Tische in dem von oben lichtdurchfluteten Raum muten mit ihren neon-gelben, -roten und – grünen, sowie schwarz-weißen Streifen psychedelisch an. Durch die Verwandlung des bestehenden Raumes, der Cafeteria, in ein Kunstwerk, werde soziale Kommunikation zu ästhetischer Praxis, hieß es in der Begründung der Jury. Soweit die akademische Würdigung.

Doch fasziniert das Werk des 43-Jährigen vor allem als klassisches Trompe-l´œil, in dem der Betrachter sich verliert, tief darin einsinkt. Das Auge kann die verschiedenen Möbel kaum von Wänden, Fußböden und Lüftungsrohren unterscheiden. Der Betrachter wird Teil des Raumes, der Kunst. Und genau das ist ein Motiv, das sich in vielen Beiträgen der Biennale wiederfindet – allen voran bei „The Collectors“, dem Gemeinschaftswerk der skandinavischen Länder samt Dänemark. Die Jury würdigte den Beitrag des von dem Künstlerduo Elmgreen & Dragset kuratierten Gesamtwerks denn auch als herausragendes Beispiel.

Die beiden Pavillons sind zu vermeintlich verkäuflichen Immobilien geworden, in denen das Leben ihrer Besitzer noch zu sehen und zu erleben ist. So steht vor dem dänischen Pavillon ein riesiges Maklerschild „For sale“, der Bau gleicht einem typischen Bungalow aus den 1970er-Jahren. Innen präsentiert sich ein modern eingerichtetes, verlassenes Haus, die Wohnzimmermöbel sind mit weißen Laken bedeckt, die riesige Tafel ist noch für ein Essen gedeckt, an der Flügeltür wartet eine Hausangestellte (aus Gold) im schwarzen Kleid mit weißem Häubchen und Schürze.

Der benachbarte Nordische Pavillon (Schweden, Finnland, Norwegen) präsentiert sich noch moderner – und vor allem lebendiger: Auf dem Schreibtisch liegt eine ausgedrückte Zigarette, in der Küche steht eine benutzte Espressokanne und auf den Möbeln lümmeln gut gebaute ganz reale Jünglinge, die gelangweilt in ihre Handys tippen oder an Drinks nippen – allesamt Liebhaber des ehemaligen Hausbesitzers – der liegt tot im Pool vor dem Pavillon. Dieser Beitrag ist ein Gesamtkunstwerk – bestehend aus verschiedenen Beiträgen – bei dem der Besucher eine zentrale Rolle einnimmt, denn er darf die Einrichtung ausprobieren.

Das spielen mit den Kategorien Architektur, Design und bildender Kunst aktiviert im einzelnen Betrachter einmal mehr ein ständiges Wechselspiel zwischen dem Konkret-Bekannten und dem Abstrakt-Befremdlichen.

„Absorbiert das Design die Kunst? oder umgekehrt?“

Krüger & Pardeller | Container, 2009

Installation, November 2009 bis Februar 2010

Freie Universität Bozen/Sitz Brixen

Das Künstlerteam Krüger & Pardeller thematisiert das Spannungsverhältnis zwischen autonomer Skulptur und Serviceleistung, das Spiel zwischen Funktionalität und Autonomie, zwischen industrieller Fertigung, Handwerk und künstlerischer Autorschaft. Doris Krüger und Walter Pardeller bewegen sich somit in einem höchst aktuellen Spannungsfeld: jenem zwischen bildender Kunst, Architektur und Design.

Die Arbeiten von Krüger & Pardeller oszillieren zwischen unterschiedlichen Raumzusammenhängen und -interpretationen, ihre Bedeutungen variieren mit der ihnen jeweils zugedachten Funktion. Die Einzelobjekte laden dazu ein, sie unter konstruktiven (Design) oder ästhetischen (Skulptur) Gesichtspunkten wahrzunehmen. Sie spielen mit den Kategorien von Architektur, Design und bildender Kunst und aktivieren ein ständiges Wechselspiel zwischen dem Konkret-Bekannten und dem Abstrakt-Befremdlichen im einzelnen Betrachter. Damit rücken Krüger & Pardeller genau jenes Moment der Entscheidung, wie man sich einem Objekt nähert, in den Mittelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit.

Container (2009) nennt sich das Möbelobjekt, das als erstes Projekt der benno-barth-stiftung in Zusammenarbeit mit der Freien Universität Bozen/Brixen entstanden ist. „Wir haben mit dem Künstlerteam Krüger & Pardeller Kontakt aufgenommen, um ein mobiles Bibliothekskonzept zu entwickeln“, erläutert Marion Piffer, Kuratorin und Mitglied der benno-barth-stiftung. Anstoß für diese Idee war zum einen der facettenreiche Bibliotheksfundus von Barth, der sich von technischen Fachbüchern bis hin zu Gedichtbänden erstreckt. Das Möbelprojekt soll nun einen Teil dieser Bibliothek einer breiten Öffentlichkeit präsentieren und somit unter anderem den sozialen Gedanken des Stifters nach außen tragen sowie auf die Stiftung selbst aufmerksam machen.

Video zur Ausstellung "Jack Freak Pictures"

Ausstellung |  Gilbert & George | Jack Freak Pictures

Galerie Thaddaeus Ropac | Salzburg | noch bis 21.11.09

„The Jack Freak Pictures are amongst the most iconic, philosophically astute and visually violent works that Gilbert & George have ever created…“

Seit über 40 Jahren fasziniert das Künstlerduo Gilbert & George mit groteskem Auftreten und Bildern die internationale Kunstszene. In ihren jüngsten Arbeiten, den „Jack Freak Pictures“, beschäftigen sich die beiden „lebenden Skulpturen“ mit der Bürde des Nationalismus, der Schönheit kahler Platanen und Monstern in den Straßen der britischen Metropole. Die prächtig-plakativen Fotoarbeiten – Unikate allesamt – basieren auf Aufnahmen aus ihrem gewaltigen Archiv. Seit 2000 kreieren die Londoner Künstler neue Formen am Computer, indem sie die eigenen Fotos bearbeiten. Da mischen sich munter Natur und Kunst, Zweige und Orden mit der englischen Flagge zu ornamentalen Grotesken.

Immer zu sehen, ganz oder mutiert, die beiden Hauptdarsteller, Gilbert & George. In wechselnden Anzügen posieren sie vor oder in den rot-weiß-blauen Farben des Union Jack, heben zaghaft das Tanzbein zum „Union Wall Dance“ oder zeigen als ulkige „Brits“ ihre verformten Gesichter. Schöne neue Welt der Manipulation, ob nun digital oder gentechnisch. Die Realität wandelt sich, der Spiegel gibt vielfältige, variierende Bilder wider, und dass dies in der Kunst nicht anders ist, beweisen die beiden freundlichen, korrekt beschlipsten Herren, die als Marke zum Glück unverwechselbar bleiben.

>> Art-in.TV | Interview Gilbert & George | Video

„Wir sind voll schmutziger Gedanken, verwahrlost, verdorben, Träumer, schlecht erzogen, ehrlich, Quälgeister, verdammt, dickköpfig, pervers und gut. Wir sind Künstler.“

Sie selbst sind das Thema ihrer Kunst: Gilbert und George, zwei Personen, die zu „einem“ Künstler verschmolzen sind, versteht sich selbst als „Living Sculpture“. Nach dem Studium schlossen sich die beiden 1968 in London zusammen, wo sie auch heute leben und arbeiten. Das Paar möchte, dass die Kunst nicht über dem Leben steht, sondern es wieder spiegelt. Der Künstler kann sich von seiner Kunst nicht ausnehmen, ist Teil von ihr und deswegen sind sie in ihrer Arbeit immer präsent. An sich wird exemplarisch und bewusst ohne falsche Scham Sexualität, Gefühle, körperlichen Bedürfnisse – ihr Leben eben – dargestellt. Dabei ist die Provokation des Betrachters beabsichtigt, er soll aber auch sich selbst und seine Gefühle wieder finden, die eben keinen Bogen um verpönte Themen machen.

Obwohl sie sich und ihre Arbeit als Skulptur sehen, arbeiten sie nur zweidimensional, indem sie ihre Bilder aus Bildtafeln, die wie bei einem Memory-Spiel angeordnet sind, zusammensetzen. Sie sind eine Art Fotocollage, in denen die beiden Protagonisten immer wieder auftauchen – immer zusammen, mal nackt, mal in ihren für sie so typischen grauen Anzügen, mal vergrößert ihre Penisse oder Zungen – oft verbunden mit Blumenmotiven oder anderen dekorativen Elementen. Das riesige Format macht die Motive überdeutlich, manchmal auch plakativ und wie nachkolorierte Fotografien sind sie in knalligen Farben eingefärbt.

Gilbert Prousch wurde 1943 in St. Martin in Thurn, ein kleines Dorf im Herzen der Dolomiten geboren und hat auf der Grödner Kunstschule das Holzschnitzerhandwerk erlernt, studierte an der Halleiner Kunstschule sowie der Kunstakademie in München Kunst, bevor er nach England zog. George wurde in Plymouth, Großbritannien geboren und studierte am Dartington Adult Education Centre, am Dartington Hall College of Art und der Oxford School of Art.

Die beiden trafen sich erstmals am 25. September 1967, als sie eine Skulpturenklasse der St. Martins School of Art, heute Saint Martins College of Art and Design belegten. Beide sagen, sie wären zusammengekommen, da George die einzige Person gewesen sei, die Gilberts schlechtes Englisch verstanden habe. In einem Interview des Daily Telegraph von 2002 sagten sie über ihr Zusammentreffen: „Es war Liebe auf den ersten Blick.“. Gilbert & George sind seit 2008 verheiratet.

Monica Bonvicini | Einzelausstellung | Museion

bis 10.01.10 im Museum für moderne und zeitgenössische Kunst | Bozen

„Architecture is the ultimate erotic act – carry it to excess“ ein Zitat von Bernard Tschumi, von der Künstlerin Monica Bonvicini an die Wand gekritzelt, der Betrachter bleibt ausgesperrt hinter Absperrzaun aus Metallketten:

„Ich habe mich nie mit einem einzelnen Gebäude befasst. Ich will auch nicht einen bestimmten Architekten kritisieren. Mich interessiert die Architektur tout court. Man kann, wenn man will, Menschen vermeiden. Man kann aber Architektur nie aus dem Weg gehen. Es gibt keine Erinnerung und keine Identität ohne Architektur: Architektur ist derart  unersetzbar und elementar, dass sie gleichzeitig virtuose Formen jedweden Typs ausbilden kann.“ Bonvicini interessiert nicht die kreative Geste der Architektur sondern dekonstruiert das Bau-Werk in Prozess und Material.

Monica Bonvicini (*1965 in Venedig, lebt in Berlin) gehört zu den bedeutendsten Vertretern, nicht nur der italienischen sondern auch der internationalen Gegenwartskunst. Ihr Interesse gilt den funktionalen Bestimmungen sozialer Räume, den jeweils spezifischen psychologischen, gesellschaftlichen wie geschlechtsspezifischen Konventionen welches sich in ganz verschiedenen Medien wie Fotografie, Video, Skulptur und Installation manifestiert. Immer jedoch stellt sich im Werk die Frage nach den Herrschaft- und nicht zuletzt den Geschlechtssverhältnissen, die sich in Architektur, Verhalten und Handeln spiegelt. Bonvicinis kompromisslose und aggressive künstlerische Haltung zeigt dabei bisweilen auch handfeste Folgen.

"Architecture is the ultimate erotic act - carry it to excess"

Orte und Objekte können nicht einfach als neutrale Werte verstanden werden , sondern als gesellschaftliche Konstruktionen, an denen sich Machtkonstellationen manifestieren. Auch die Begeisterung für geradezu libidinös besetzte Oberflächen und Materialen spiegelt sich in Bonvicinis künstlerischen Produktion.
Die metaphorische Setzung von Sprache in Beziehung zu räumlichen Konstruktionen und zur Erfahrung von Grenzen und Hermetik, aber auch deren Brechung wird von Monica Bonvicini vielfältig aufgegriffen und installativ übersetzt. So grenzt die Künstlerin mit ihren Installationen den Blick der BesucherInnen ein und lenkt ihn gleichzeitig aufgrund weniger durchlässiger Stellen durch die Architektur.

>> Artforum |Interview mit Monica Bonvicini

>> Art in America | M Bonvicini / Tom Burr | Kunstmuseum Basel bis 03.01.10

Kunstbuch | Monica Bonvicini | 2009

„Wohl keine andere Künstlerin bringt derart drastisch Feminismus und Architekturkritik zusammen wie Monica Bonvicini. Die Künstlerin setzt sich in ihrer Arbeit mit der von Männern dominierten Architektur-Welt auseinander und spielt mit Phänomenen wie Macht, Verführung, Sexualität und Fetischismus. Mit ihrem Video ›Wallfucking‹ (1995) – eine nackte Frau reibt ihr Geschlecht an einem Wandvorsprung – wurde sie international bekannt. Inzwischen sind raumgreifende Installationen aus Ketten, Stahl und Leder zu einer Art Markenzeichen von Monica Bonvicini geworden.“ Klappentext zum Katalog, erschienen im Dumont Verlag.

>> Katalog | Monica Bonvicini | 20 EUR