Fünf Räume | bis 5. September 2011 im ACF in New York

>> Curator-Led Gallery Talk | Fr. 24. Juni | ACFNY 11 East 52nd Street

Das Motto der Sommerausstellung 2011 des Kulturforums in New York lautet „Fünf Räume„, in deren Rahmen NachwuchskünstlerInnen aus Österreich das New Yorker Publikum mit vielfältigen und gänzlich unterschiedlichen Rauminstallationen konfrontieren.
Fünf Räume wurde vom New Yorker Kurator David Harper und dem Direktor des Kulturforums Andreas Stadler kuratiert und wird bis 5. September 2011 in der Galerie des Österreichischen Kulturforums in Midtown Manhattan zu sehen sein.
Mit dieser Ausstellung bietet das Kulturforum New York jungen österreichischen KünstlerInnen eine Bühne um ihre Arbeit dem New Yorker Publikum vorzustellen und je einen vorgegebenen Raum nach eigenen Vorstellungen zu gestalten. Dies soll dem Publikum die Möglichkeit geben, einerseits die Einzigartigkeit jedes Werkes zu erleben aber auch gleichzeitig Einblick in die Vielschichtigkeit des Schaffens österreichischer KünstlerInnen zu gewinnen.
Die Ausstellung umfasst im Rahmen der Installationen Malerei, Skulpturen sowie eine Multimedia-Arbeit. Des Weiteren thematisieren die KünstlerInnen die einzigartige Architektur des Gebäudes und eröffnen dadurch neue Perspektiven für die Betrachter.

„Jeder Bau verletzt die Erde. Jeder Architekt hat deshalb die Verantwortung, dass diese aufgeladene Schuld der Verletzung der gegebenen Erde nur durch eine kulturelle und künstlerische Verbesserung versöhnt werden kann.‘“ Raimund Abraham

Die 1974 in Südtirol geborene Künstlerin Esther Stocker dekonstruiert geometrische Formen und Gebilde mit Hilfe von Gitterstrukturen und Linien, die sie an Böden, Decken und Wänden anbringt und dadurch zu dreidimensionalen Gebilden werden lässt. Mit den Mitteln der Regelmäßigkeit und ihrer Unterbrechung, der Symmetrie und ihrer Störung schafft sie visuelle Klangwelten, die sich dem Betrachter für lange Zeit unverwechselbar einprägen. Für Fünf Räume gestaltet Stocker zwei neue standortspezifische Installationen, die an vorangegangene Arbeiten anschließen und an die architektonischen Gegebenheiten des Gebäudes angepasst werden.

Der 1982 in Graz geborene Valentin Ruhry, zeigt in New York zwei neue Arbeiten. Adaptation wurde durch die einzigartige Architektur und Bauweise des Hauses und seiner Strom- und Kommunikationsinfrastruktur inspiriert. Mit ‘Untitled (Hello World)’, setzt sich der Künstler mit fast 5.000 beleuchteten orangen Kippschaltern mit der Thematik „altmodischer“ Technologie und der visuellen Sprache des Minimalismus auseinander.

Das Kulturforum ACFNY hat sich in der New Yorker Kunstszene mit thematischen Gruppenausstellungen einen Namen gemacht, in denen sowohl internationale als auch österreichische KünstlerInnen präsentiert werden.
Fünf Räume ist die neueste Ausstellung einer thematisch offenen Serie, die alle zwei Jahre von Direktor Stadler und seinem Team produziert wird und NachwuchskünstlerInnen aus Österreich lanciert. Viele KünstlerInnen der ersten, 2009 stattgefundenen Ausstellung Open Space: Creative Migration sind mittlerweise auf der amerikanischen Kunstszene äußerst erfolgreich. Jede Ausstellung wird mit einem umfangreichen Katalog dokumentiert.

„Starting, as it were, at square one, the artists’ installations relate strongly to their previous bodies of work, exploring space, site-specificity and the third dimension. Additionally, the installations will present the intricate architecture of the Austrian Cultural Forum’s gallery space from a fresh perspective and will thus allow viewers to experience it in a new light. Each artist brings something radically different to the table – be it subject matter or their use of material—resulting in a visual representation of the dialogue and zeitgeist surrounding contemporary art-making in Austria. At first glance, many artists appear to employ the visual language of Minimalism. However, upon further investigation, each piece reveals itself to exist within the historical rubric of Austrian artistic practice, touching on many of its universal themes, including an engagement with technology, politics, and spirituality.“

Artists: Daniel DOMIG, Clemens HOLLERER, Zenita KOMAD, Valentin RUHRY, Esther STOCKER, and guest artist Michael KIENZER

Open till september 5th at the ACFNY, 11 East 52nd Street, New York

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„So viele Tierchen und Menschlein waren vielleicht noch nie auf einer Messe versammelt.“

Keine Einstiegspointe diesmal. Der Platz vor dem Haupteingang der Art Basel, wo in den vergangenen Jahren stets großformatige Kunstwerke zu sehen waren, bleibt bei der 42. Ausgabe der Messe leer. Nackt wirkt das Gebäude jetzt, als sei man mit den Vorbereitungen nicht ganz fertig geworden – Anlässe für wirkungsvolle Statements hätte es in diesen politisch aufregenden Tagen genug gegeben. Möglicherweise hat man aber auch dieses Nicht-Statement ganz bewusst gesetzt, wir befinden uns schließlich in der neutralen Schweiz.

Die Welt schrumpft im Zuge der Globalisierung zum Dorf – dies zumindest einmal im Jahr, wenn die Art Basel für ein paar Tage ihre Tore öffnet. Sie ist die weltweit führende internationale Kunstmesse für moderne und zeitgenössische Kunst. Große Meister der modernen Kunst bis zu den talentiertesten Nachwuchskünstler wurden in verschiedenen Bereichen auf der Show präsentiert. Besucher konnten qualitätive Kunst bestaunen und sich durch das Rahmenprogramm und den vielen Parallelveranstaltungen unterhalten und inspirieren lassen. Das macht die Art Basel zu dem Treffpunkt der globalen Kunstwelt, darunter Kunstsammler, Kunsthändler, Künstler, Kuratoren, dieWerkBank und andere Kunstinteressierte.

Die weltweit bedeutendste Messe für moderne und zeitgenössische Kunst zeigte bis zum gestrigen Sonntag Werke von über 2500 Kunstschaffenden. Dabei boten die 300 ausstellenden Galerien aus 35 Ländern einmal mehr einen Überblick über eine globale Kunstszene. Zusätzlich verwandelten etablierte Parallelveranstaltungen wie SCOPE, Volta, Liste, sowie Design Miami, Basel eine Woche lang zum Epizentrum der Kunstwelt.

>> SCOPE

>> Volta 7

>> Liste 16

„läuft super“, „sehr zufrieden“, „there is a lot of interest“, „mindestens so gut wie letztes Jahr“, das waren die Sätze, die sich die Aussteller zuwarfen in den ersten Stunden der Preview. Bei den Besuchern kam es zum regelrechten Gedränge. In der Halle schoben sich die Scharen durch die Gänge. Kaum ein ungestörtes Gespräch mit den Galeriszen schien möglich. Ein Umstand der wohl vor allem bei den ernsthaft an Kunst (und deren Kauf) interessierten nachhaltig für Unmut sorgen wird.

>> Investieren in Kunst? | NZZ Interview

Dass der Dollarkurs gerade so günstig steht, ist sicher ein Grund, der vielen Sammlern die Kaufentscheidung leicht macht. Aber vielleicht liegen die good vibrations auch an den Ständen selbst, die in diesem Jahr besonders sorgfältig kuratiert aussehen und teils jedes Biennale-Erlebnis in den Schatten stellen – es ist, als habe der Ausschluss von Eigen + Art, der Anfang des Jahres einen Skandal provozierte, einen ästhetischen Stein ins Rollen gebracht, mit dem nun Platzhirsche und jüngere Jahrgänge ihr Erscheinungsbild überprüfen. Flohmarktartig zusammengeschobene Flachware ist in diesem Jahr also kaum noch zu sehen.

Liegen die Länder, Nationen und Regionen auf dem Globus auch noch so weit auseinander, so haben sie sich, was ihre Kunstproduktion betrifft, längst einander angenähert. Gegenwartskunst scheint eine universale Sprache zu sein, die überall auf unserem Planeten gesprochen und verstanden wird. Indische und chinesische Künstler bedienen sich mittlerweile derselben Medien und Strategien wie europäische oder amerikanische Kunstschaffende – das zeigt die einmalige Überblicksschau, die an der Art Basel auch diesmal wieder geboten wird, in aller Deutlichkeit.

So Schreibt etwa die FAZ: „Das Material ist einfach zu knapp für so viel Fläche. Der havarierte Kopffüßler -David Zink Yis Tintenfisch aus Ton „Untitled (Architeuthis)” könnte zum Signum dieser gesamten Art Basel werden, die arg unter einer ausgeleierten Kunstpraxis leidet. (Wo ist eigentlich der Hai in Brodo von Damien Hirst? Man möchte ihn von hier aus gern grüßen…) Von Appropriation Art zu sprechen wäre da schon Schönrednerei. Obwohl an allen Ecken und Enden appropriiert wird, von (nur zum Beispiel) Jackson Pollock über Roy Lichtenstein bis Barbara Kruger. Hinzu kommt eine Art Infantilisierung: So viele Tierchen und Menschlein waren vielleicht noch nie auf einer Messe versammelt. Dafür sieht man, noch einmal pointiert formuliert, praktisch keinen höchstrangigen Gerhard Richter, Baselitz, Neo Rauch, oder auch Warhol (außer einem Marilyn-Ensemble in Überbreite).“

Global nimmt sich auch die Künstlerschaft im Bereich Art Unlimited aus. Wie geschaffen für grosse Gesten mit universalem Anspruch scheint diese Plattform, die mit ihren über 60 raumgreifenden Kunstprojekten wieder eine ganze Messehalle bespielt. Allerdings befindet sich in dem gesamten Geviert kaum eine Arbeit, die Blicke bannen kann. Es stellt sich vielmehr ein unbehagliches Déjà-vu-Gefühl her.

Parallel zur Art Basel wurde die internationale Designmesse Design Miami/Basel eröffnet. Zweimal im Jahr treffen sich Design-Sammler bei der Design Miami – im Winter in Miami Beach, im Sommer in Basel. Highlights waren unter anderem die Fertighaus-Strukturen von Jean Prouvé, die er in den vierziger und fünfziger Jahren entworfen hat und die erst kürzlich wieder entdeckt wurden. Und zeitgenössisches Design, das von Galerien und in den On/Site-Ausstellungen gezeigt wird.

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Lazar Lyutakov | „Blick nach Osten“
Werkbank Lana | Artspace
19. Mai 18-21 Uhr, 20. Mai 10-24 Uhr

Am 19. und 20. Mai 2011 zeigt die Werkbank Lana im Rahmen der Ausstellungsreihe „Blick nach Osten“ die erste Einzelausstellung des bulgarischen Künstlers Lazar Lyutakov in Italien. 1977 in der Kleinstadt Shablar geboren, studierte Lyutakov zunächst in Sofia, später an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, wo er derzeit auch einen Lehrauftrag inne hat.

Lazar Lyutakov setzt sich in seinen Arbeiten mit einer kontinuierlichen Neuinterpretation des Ready-made auseinander. Konzentrierte er sich zunächst vor allem auf Readymades aus seinem eigenen kulturellen Umfeld bzw. aus dem kulturellen Umfeld seiner Herkunft, so erweiterte er den Begriff schließlich auf Second-Hand-Objekte, Deckenlampen und Stühle, Tische und Vorhänge, die weggeworfen und nun wiederverwertet, aber auch aufgearbeitet, repariert oder restauriert werden. Lyutakovs Arbeiten sind von einer Reflexion über den ästhetischen Wert, Norm und Funktion von Gebrauchsgegenständen gekennzeichnet.

Das Ausstellungskonzept der Werkbank Lana als Offspace/Galerie in Lana konzipiert die Ausstellungen als Events mit performativem Charakter, das Programm der Ausstellungen ist dicht gepackt, während sie zugleich zeitlich stark begrenzt werden. Für gewöhnlich dauern die Werkbank Events zwei bis fünf Tage und werden von Künstlergesprächen, Konzerten, DJ- und VJ-Abenden sowie kulinarischen „Happenings“ begleitet.

Do, 19. Mai, 18.00 Uhr: Eröffnung und Performance von Lazar Lyutakov.
Fr, 20. Mai, 20.00 Uhr: Poetry Slam “Morgenstern”, Special guest: Brother Records.
Ab 22 Uhr: Musik + Videos by Lazar Lyutakov.

Whiteout auf dem Ekström-Schelfeis, Antarktis

White | Whiteout | Whitenoise | Whitebox

Whiteouts stellen im Bergsport durchaus einen ernstzunehmenden Gefahrenfaktor dar: Aus Sicherheitsgründen sollten Gruppen eng zusammenbleiben, empfielt die einschlägige Bergliteratur, und sich, wenn überhaupt, nur langsam fortbewegen bzw. in absturzgefährdetem Gebiet möglichst das Ende eines Whiteouts abwarten und vorläufig auf jede Fortbewegung verzichten, da Hindernisse oder Abgründe nicht mehr erkannt und Entfernungen und die Steilheit des Untergrundes nicht mehr abgeschätzt werden können. Wärend Bergsportler Sonnenbrillen mit entspechenden Farbfiltern zur Bändigung dieses meterologischen Phänomens  verwenden, dient es Künstlern diverser Genres als Metapher, Inspiration, ja Stilmittel.

White | Stefano Amantini

In seiner aktuellen Ausstellung „white“ zeigt der Fotograf Stefano Amantini eine Bilderserie  mit winterlichen Landschaftsaufnahmen aus dem Dolomitengebiet. In der Gallerie thethys in Florenz sind noch bis Mitte März eine Auswahl seiner auf 50 Bilder gewachsenen Serie zu sehen.

White | Stefano Amantini

Deplazierte Silhouetten im Whiteout – Stefanos Amantinis Arbeiten thematisieren in ihren minimalen Szenerien die durch die Tourismus-Industrie strukturierte, von Natur- zu Kulturlandschaft geformte Weite. Unverkennbar ist die Anlehnung an Walter Niedermayrs Fotografien. Das Empfinden von Orientierungslosigkeit und Ausgesetztsein im Whiteout thematisierte der Südtiroler Fotograf Walter Niedermayr in der Serie „Titlis“:

Titlis | Walter Niedermayr

Whiteout: die nebulose Helligkeit, die bei schneebedecktem Boden und verhülltem Tageslicht beobachtet wird. Aufgrund der starken diffusen Reflexion des Sonnenlichts kommt es zu einer sehr starken Kontrastverringerung – die empfundenen Helligkeitsunterschiede sind kaum wahrnehmbar. Das hat ein Verschwinden des Horizontes zur Folge; Boden und Himmel gehen nahtlos ineinander über.

Titlis | Walter Niedermayr

Es sind keine Konturen oder Schatten mehr erkennbar, der Beobachter hat das Gefühl, sich in einem völlig leeren, unendlich ausgedehnten weißen Raum zu befinden. Physisch macht sich der Whiteout durch Desorientierung und die Beeinträchtigung des Gleichgewichtssinns bemerkbar. Bei entsprechend veranlagten Personen kann dies sogar zu einer starken psychischen Belastung führen, die sich durch Beklemmung und Angstgefühle äußert.

Walter Niedermayr , SANAA

Walter Niedermayr: „Im Grunde geht es mir um Distanz. Ich möchte nicht in eine wertende, moralische Position verfallen, das interessiert mich nicht. In meinen Bildern agieren die Menschen in der Landschaft, aber sie bleiben in der Schwebe, wirken oft orientierungslos, wie fremd in ihrer Umgebung.“

„Die Helligkeit ist wesentlich in meinen Bildern, das Sujet ändert sich projektbedingt. Bei den Architekturbildern dominieren bei den Innenräumen meist die Horizontalen, wohingegen es in der offenen Landschaft Vertikale und Horizontale gibt. Farbe, Licht und Raum sind aber immer die verbindenden Kriterien. Wie gesagt, es geht mir um Helligkeit, weil Helligkeit für mich etwas anderes sichtbar macht.“

Walter Niedermayr | SANAA

„Dunkelheit lässt die Dinge verschwinden, Helligkeit lässt sie erscheinen, wirkt aber zugleich reduktiv, das heißt Schatten und Konturen verschwinden im Bild. Dadurch entstehen neue Wertigkeiten. So wirken meine Bilder oft zweidimensional, dabei sind Landschaften ja dreidimensional, die Personen sind wie ausgesetzt, man könnte auch sagen: wie Marionetten.“

Walter Niedermayr | SANAA

„Durch meine Auseinandersetzung mit den Gebäuden von SANAA ist die Werkgruppe „Bildraum“ entstanden, die vordergründig Bezug nimmt auf das Sichtbarmachen über die medienimmanenten Möglichkeiten von Raum und im weiteren Sinne von Raumatmosphären im Bewusstsein dessen, dass Fotografie die Aura des Originals nicht ersetzen kann, aber vielleicht etwas aufscheinen lässt, das den Raum über die Bilder erahnen lässt. Mich interessieren aber auch die Themen wie Transparenz, Leichtigkeit, Einfachheit und Komplexität.“

Rolex Lerning Canter by SANAA | Walter Niedermayr

Wolfgang Pöschl: „Architekten die Farbe Weiß zu empfehlen gleicht auf den ersten Blick dem Rat sich schwarz zu kleiden. Ist doch Weiß ein alltäglicher Bestandteil der architektonischen Werkzeugkiste. Weiß setzen wir gegen die unübersichtlichen Zumutungen der Natur. Mit Weiß übertünchen wir die Kluft zwischen dem abstrakten Konzept und den Niederungen seiner Umsetzung. Denn Weiß ist uns ein Mittel zur Demonstration von Reinheit, Präsenz und Macht.“

Kanazawa Museum of contemporary art by SANAA | Walter Niedermayr

Walter Pöschl weiter: „Das Weiß, das ich jedoch empfehle, ist jenes, das in der Arbeit von SANAA (Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa) eine zentrale und einzigartige Rolle spielt. Es steht für Entmaterialisierung, für die ultimative Inszenierung von Licht bis zum Whiteout. Ihr Weiß ähnelt der Wahrnehmung von Nebel. Denn inmitten üppiger Vegetation verleiht es ihren Gebäuden im Flirren der Spiegelungen und Durchblicke der Verglasungen die Flüchtigkeit von Nebelschwaden. Im Innern hebt es die Grenzen des Raumes auf. Selbst im dichten urbanen Umfeld gibt es ihren Bauten nebensächliche Flüchtigkeit. Meine Empfehlung gilt dem grenzenlosen Weiß des Verschwindens im Licht.“

Ein kühner Zukunftsraum aus der Vergangenheit und ein nostalgischer Rückblick auf den Futurismus.

Il Girasole | 17-minütiger Film von Christoph Schaub und Marcel Meili

An einem sanften Hügel an der nördlichen Kante der Poebene steht ein bemerkenswertes Haus. Es ist eine silbrig glänzende moderne Villa auf einem riesigen rötlichen Stein, inmitten eines Parks. Im Innern des Hauses befindet sich ein Motor, der das Haus 360° um seine eigene Achse dreht: die «Casa Girasole» folgt dem Lauf der Sonne oder den Blicken in die Landschaft. Hier spürt man nicht allein die Faszination an der Technik selbst, sondern eine Verklärung der «neuen Welt», den schon leicht gebrochenen Optimismus des späten italienischen Futurismus. Erbaut worden ist dieses Haus Anfang der 1930er-Jahre von Angelo Invernizzi, einem Genueser Ingenieur.

Der Kurzfilm „Il Girasole – una casa vicino a Verona“ ist eine glaubwürdige Hommage an das aussergewöhnliche Haus und seinen Erbbauer und vermittelt architektonische und geschichtliche Einzelheiten als Bestandteil der künstlerischen Aufbruchstimmung der dreissiger Jahre.

Bis hin zu den Möbeln und Vorhängen ist alles noch im ursprünglichen Zustand. Wir nehmen teil an einem Tag: Das Haus dreht sich einmal um die eigene Achse. Während dieser Zeit erschliesst der Film Architektur und Atmosphäre des Hauses, seiner Räume und Einrichtungen. Dazu wird die Geschichte und das Lebensgefühl von damals erzählt, bloss angedeutet – als Erinnerung. Ein kleines Meisterwerk, das Haus wie der Film!

Chérie’s Tree House  | Keep your fantasies growing.

Sa. 11. und So. 12. Dezember in Mailand | Via Pestalozzi 4 – Showroom 247

A tree house, a free house,
A secret you and me house,
A high up in the leafy branches
Cozy as can be house

A street house, a neat house
Be sure to wipe your feet house
Is not my kind of house at all-
Let’s go live in a tree house.

by Shel Silverstein

Chérie’s Tree House is an event that supports the work of emerging artists in fashion and design. For any single event we select attentively the work of creative people who produce unique and special objects, each one with a unique and inimitable charm.
The artist exhibits at the tree house and constructs a network with editors, stylists and potential buyers, in an easy and friendly atmosphere.
In order to create a place where anybody can feel the made with love spirit, we also chose djs and bands creating our own ideal radio. Each visitor is invited to stay as long as he likes, to discover unique objects while tasting good food and drinks, listening to good music and dancing under tree leaves.

>> DJ Sets zum Nachhören

>> Interviews and Video

Mario Botta | Architekturen 1960 – 2010

Kuratiert von Studio Mario Botta

„Architektur ist Gewalt gegen die Natur“ lautet Mario Bottas Grundsatz, „Ich will mit der Geometrie den Zufall und die Willkür bezwingen.“ Sein Lieblingswort „Monumentalität“ versteht er nicht im transzendentalen oder gar totalitären Sinne, sondern ganz humanistisch: „Monumentalität ist für mich die Bestätigung des Menschenwerks.“

Botta, der sich nicht postmodern, sondern „post-antik“ nennt, ist weltberühmt für seine Villen im Tessin. Rund um Lugano hat er seit den siebziger Jahren, als die internationale Postmoderne noch mit bunten Phantasiezeichnungen experimentierte, einprägsame Höhlenbauten errichtet: Wohnzylinder und Büroquader mit maskenhaften Fassadenschlitzen, Erkernasen und Augenlöchern. Sie besitzen die Massivität und Wehrhaftigkeit der romanischen Burgen im Tessin. In der katastrophal zersiedelten Luganer Seenlandschaft wirken Bottas totemistische Skulpturen wie gebaute Urschreie.

Bottas Primitivismus löste in der neueren Architektur eine ähnliche Umwälzung aus wie einst die afrikanische Plastik in der Kunstmoderne. Heute ist sein Werk mit über tausend Publikationen das meistgedruckte OEuvre der neueren Baugeschichte. Wer ihm vorwirft, daß er sein Leben lang dieselben Formen baue, dem hält Botta einen Lieblingsspruch seines Landsmannes Giacometti entgegen. Auf den Wiederholungsvorwurf hatte der große Schweizer Bildhauer einmal klug geantwortet: „Was für ein Narr ich bin. Ich mache immer wieder denselben Kopf, ohne daß es mir je glückt.“

1969 eröffnete Mario Botta sein eigenes Architekturbüro in Lugano. In seiner weiteren Laufbahn hatte er Kontakt mit den Architektenlegenden Carlo Scarpa, Le Corbusier, Louis I. Kahn und Luigi Snozzi, deren Einfluss in vielen seiner Bauten sichtbar wird. Botta gilt als wichtigster Vertreter der in den 1970er Jahren bekannt gewordenen „Tendenza“, der Tessiner Schule. und erklärter Bewunderer der mittelalzerlichen und Romanischen Architektur.

Mario Botta arbeitet oft mit massiven Baumaterialien, wie Naturstein, Backstein oder Beton. Der rationalistische Stil Bottas setzt sich aus einer streng geometrischen, schlichten Formensprache und Bestandteilen wie Licht und Schatten zusammen. Diese Kombination lässt die oft sehr massiven Baukörper leicht und elegant erscheinen. Botta verwendet beim Entwerfen seiner unverkennbaren Werke immer dieselben architektonischen Elemente aus einem unerschöpflich grossen Formenspektrum.

„Eine Kirche ist ein großes Haus für Menschen mit einem Stockwerk“, sagt der Schweizer Simplicissimus, der so einfach denkt, wie er baut – Bottas Welterfolg rührt von der starken Bildwirkung seiner Gebäude her. Aber die Reduktion auf den optischen Effekt läßt vergessen, daß sich der Schweizer allmählich zum bedeutendsten Sakralarchitekten des ausgehenden 20. Jahrhunderts entwickelte.

Die noch bis zum 23. Januar 2011 gezeigte Werkschau im MART in Rovereto, dokumentiert die wichtigsten Bauwerke, die Mario Botta im Laufe seiner langen und erfolgreichen Karriere errichtet hat, von den ersten Einfamilienhäusern, die ein eigenständiger Ausdruck der Tessiner Schule sind, bis zu den großen öffentlichen Gebäuden, Bibliotheken, Theater, Museen, Kirchen und Synagogen, die er in aller Welt baute.
In der vom Studio Mario Botta selbst kuratierten Ausstellung sind über 90 realisierte Entwürfe zu sehen, die mit Skizzen und Originalmodellen, Fotografien und unveröffentlichten Unterlagen dokumentiert werden.

Die Ausstellung ist in 12 Bereiche unterteilt. Der erste nennt sich „Begegnungen“ und bietet mit Anklängen und Erinnerungen an Künstler und Kunstwerke, Persönlichkeiten aus Kultur und Musik, die den Menschen und den Architekten tief geprägt haben, eine Art Einstimmung.

Die anderen Bereiche Wohnen, Arbeiten, Schulen, Bibliotheken und Freizeit, „urbane Nähte“, Museen, Theater, religiöse Stätten, Innenräume – illustrieren den persönlichen Weg, auf dem Mario Botta sich mit allen Gebäudearten auseinandergesetzt hat. Spannend sind die Dokumentationen der Entwürfe für das Museum Tinguely in Basel, das MoMA in San Francisco, das Centre Dürrenmatt in Neuchâtel, die Renovierung der Scala in Mailand und natürlich auch das Mart Rovereto selbst:

„Auch ein Museum ist ein spiritueller Ort, eine profane Kathedrale.“

PORSCHE Ferdinad GT3 RS | by Hannes Langeder

>> Ferdinand der Schöne

Findige Österreicher haben einen Porsche GT3 RS konsequent auf Leichtbau getrimmt. Der Rennbolide, der mit ursprünglich 450 PS den Sprint von 0 auf 100 km/h in atemberaubenden 4,0 Sekunden schafft und bis zu 310 km/h schnell ist, wurde total abgespeckt. ULC (Ultra light construction) nennen die Ferdinand-Konstrukteure die spezielle Bauweise. Ein radikaler Ansatz, bei dem nicht benötigte Bauteile schlicht weggelassen werden. Resultat: Ein revolutionäres Fahrzeuggewicht von lediglich 99,637 Kilo!

„Das Problem mit dem Fahrrad ist ja, dass man immer gegen die Autofahrer ankämpfen muss. Fahrräder und Autos sind fast immer Gegner. Der Ferdinand wird im ersten Moment als Kollege wahrgenommen und erst mit der Zeit kommt man drauf, dass er doch etwas ganz anderes ist.“ Trotzdem ist das Feedback durch die Bank nur positiv. „Auch Autofahrer zücken das Handy zum Fotografieren – man kommt sich gleich sehr prominent vor.“  Hannes Langeder ist Künstler, der in der Vergangenheit verschiedene Radprojekte umsetzte.

Er ist der langsamste, aber auch leichteste Porsche und sorgt für mehr Aufsehen als jeder andere Porsche – vielleicht weil er gar kein Porsche ist, der „Ferdinand GT3 RS“. „Das RS steht für Radsport“, erklärt Hannes Langeder, der Erbauer des Fahrrad-Porsches. Den Unterbau hat er von einem Spezialisten für Liegeräder zugekauft: „Vorne ist das Rad gefedert, damit nicht ein Rad in der Luft hängt, wenn man auf einer unebenen Straße fährt. Der Ferdinand hat 30 Gänge – also mehr als jeder herkömmliche Porsche – und Hinterradantrieb.“ Weil der Fahrer auf der rechten Seite das rechte Hinterrad antreibt und jener, der links sitzt, das linke, konnte auf eine komplizierte Hinterachse mit Differentialgetriebe verzichtet werden. „Bergauf wird die Übersetzung irgendwann zum Problem, weil es keine Zahnkranzl mehr gibt, mit denen wir den Ferdinand hätten kürzer übersetzen können.“

Der Oberbau besteht aus Elektroinstallationsmaterial. „Mit einem Heißluftföhn habe ich Rohre und Kabelkanäle so hingebogen, wie ich sie brauche und sie dann mit der Heißklebepistole und Paketband zusammengeklebt.“ Ursprünglich wollte Langeder den Ferdinand, wie seine Kunstobjekt-Fahrräder zuvor, mit Luftpolsterfolie aufbauen, kam dann aber wieder davon ab.

Warum es unbedingt ein Porsche sein musste, erklärt Langeder so: „Der Porsche ist für mich so ein archetypisches Fahrzeug: Den gibt es schon so lange in der Form, und dann ist da die Nähe zum Käfer. Und bei der Form eines Porsche kann auch beim Nachbauen nicht viel schiefgehen. Ich hab ein schnelles Fahrzeug genommen, weil ich wusste, dass es sehr langsam sein wird. Es ist ja noch langsamer als Fahrräder. Alles, was sich auf der Straße bewegt, ist schneller als der Ferdinand. Nicht nur die goldene Hülle drückt Luxus aus, sondern auch das langsam Sein. Auch die Leute, die mitfahren, beeindruckt die Langsamkeit. Am Anfang würde man gerne schnell fahren, aber mit der Zeit, wenn es anstrengend wird, merkt man, dass es die Langsamkeit erst ausmacht.“

Sixpack | Solo für Tuba

Im Rahmen des BI | contemporary art festivals in der Werkbank in Lana fand am Montag  der Kulturtalk zum Thema „Tourismuskultur vs. Kulturtourismus“ statt.  Akustische Höhepunkte waren die über den Abend gestreuten Stücke vorgetragen vom Tuba-Solisten Michael Pircher. Unter anderem performte Pircher das Stück  „Discotheque“ aus John Meador’s „Six-Pack“, auf Wienerisch: „s’ Sechsertragl“, also das Sechser-Gebinde Bier -  Solo für Tuba.

Michael Pircher, gebürtiger Lanaer, schloss seine Musikausbildung 2005 an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien mit Auszeichnung ab und kann bereits auf eine beachtliche Orchestererfahrung in Österreich, Deutschland und Italien verweisen; so spielte er u.a. bei den Wiener Philharmonikern und den Berliner Philharmonikern. Seit März 2004 hat er ein fixes Engagement beim „Tonkünstlerorchester Niederösterreich“.

Six-Pack for Solo Tuba was written at the request of  Tim Buzbee [in diesen Videos zu sehen], whom currently holds the position of Principal Tuba with the Iceland Symphony Orchestra. During our initial brainstorming discussions, Tim said he had always had an idea for a theatrical piece with six different movements where the performer would drink a beer between each movement. Aside from exploiting his monstrous low register and beautiful lyrical playing, his only other requirement was that it be somewhat flashy, if not virtuosic, and that it could be used to close out a recital on a positive and powerful note.

With these guidelines, it was decided to structure the piece as an outline of the potential actions, moods or emotions one might experience during each stage of drinking a six-pack of beer. Each movement then took on the responsibility of not only conveying each particular stage in character, but also of taking the listener on an intense and somewhat specific emotional journey throughout the course of the work.

The concept of such a work provides some interesting challenges, the first of which is finding a suitable performance venue, since few, if any universities or churches would allow the consumption of alcohol on their premises. The next obvious challenge is being able to play the piece while consuming a total of six beers in about as many minutes. Ambitious players under the age of 21 might discover a setback, as well. As a result, the theatrical aspect of the work has been deemed „optional“ should the location permit and the performer be willing and able to perform it as originally intended.